The JunkieBox

2009-04-28T11:44:00.000-07:00

2009-03-05T09:54:00.000-08:00

"A história dos Mutantes começa em 1964, quando Arnaldo Baptista é convidado a entrar para o grupo The Wooden Faces por seu irmão Cláudio César Dias Baptista, então guitarrista da banda. Um ano depois, discordâncias em relação ao estilo musical que os Wooden Faces deveriam seguir decreta o fim do grupo. Arnaldo e outro integrante, Raphael Villardi, conhecem Rita Lee e decidem formar com Sérgio, irmão mais novo de Baptista, uma banda chamada Six Sided Rockers. Cláudio César passa a ficar "nos bastidores" construindo todo o equipamento, mesas de som e instrumentos da banda, inclusive as lendárias "Guitarras de Ouro" de Sérgio e Raphael.
Ainda em 1966, gravam um compacto pela gravadora Continental, "Suicida / Apocalipse", agora renomeados para O'Seis. O grupo não autoriza, mas mesmo assim a gravadora decide lançar a gravação, que vende pouco mais de duzentas cópias . . ."

Com apenas duas faixas a banda O´Seis era lançada para o mundo - ou para um mundo obscuro e sombrio, onde ouvidos atentos faltariam e a escuridão seria quase uma ordem. O Suicida / Apocalipse é o nome do compacto nada adocicado da banda.

copiem esta porra e colem no brownser: http://www.badongo.com/file/8571809

2009-01-13T21:19:00.000-08:00

Gil Scott-Heron é um poeta, escritor e compositor estadunidense. Vindo da tradição estética da poesia negra do seu país (de gente como Langston Hughes ou Claude Mckay, com a métrica e a musicalidade dos grandes) e misturando essa tradição com o soul e com o jazz, ele acabou por criar o rap, no final dos anos 60. Esse Free Will (1971) é o terceiro álbum e o segundo de estúdio do grande Scott-Heron. Um disco de soul e blues, com seus poemas servindo de letra. Músicas como "The Get Out of the Guetto Blues" ou "Free Will", ou a balada soul "Speed Kills" são hinos para mim! Baixo, piano elétrico e acústico, backing vocals, flautas, percussões e bateria e toda a sentimentalidade politizada deste homem que pensou em mudar o mundo, que tentou mudar o mundo, que se desapontou com o rap e com os negros do rap ainda em 1985 e que agora, neste momento, está enjaulado por porte de cocaína. Um poeta como ele não se prende, apenas porque não é possível prende-lo: "Ain´t it nice to fly, / You´re waving as soft clouds go by, / But peace won´t be still of its own free wil". Gil Scott-Heron. Gil Scott-Heron. Gil Scott-Heron.

copie e cole o endereço abaixo, que não consegui faze-lo um link que funcione: http://www.mediafire.com/?ayuy769g2mn

2009-01-03T20:50:00.000-08:00

Julio Florencio Cortázar foi um escritor belga, de pais argentinos. Passou grande parte de sua infância sendo uma criança triste na Argentina. Mestre do conto curto e da prosa poética, foi um grande escritor e um grande homem, sempre atento as questões políticas, sobretudo na américa latina. Em 1959 lança o livro Las armas secretas. Neste livro há o conto As Babas do Diabo, que inspiraria anos depois o filme Blow-Up (1966), do Michelangelo Antonioni. A trilha foi composta por Herbie Hancock, e também tem músicas dos grupos The Yardbirds e Tomorrow. Essa aqui vai pro meu amigo querido, Eduardo Escarpineli, como presente de aniversário atrasado. ;)

http://sharebee.com/2f1073e0

NINA SIMONE SINGS THE BLUES

2009-01-03T20:21:00.000-08:00

1967 e o primeiro do Pink Floyd ainda com o Syd Barrett, o primeiro do Caetano Veloso, com Gal Costa, o “Their Satanic Majesties Request”, do Stones, que é o único que eu tenho até hoje, o primeiro do Velvet Underground, o primeiro dos Doors, da Janis Joplin, o “Sgt. Peppers”, dos Beatles, o “Are you experienced?”, do Hendrix Experience, etc, etc, etc, estavam sendo lançados. Nina Simone lançou o seu “Nina Simone sings the blues” também em 1967. Após alguns anos sem gravar, ela assina com a RCA e lança esse disco - e que beleza, e que dor... “In the dark” é linda! Piano, guitarra, gaita, bateria e uma voz alta, que grita com um reverb. “My man´s gone now” do Gershwin (da ópera “Porgy and Bess”), numa versão incrível, com um baixo marcado – e eu não vou falar nada sobre sua voz, claro. Tem também “Since I fell for you”, “Blues for Mama”, e tem uma versão muito esquisita e veloz de “The House of The Rising Sun”, que ela havia gravado antes, em 1962 – antes da banda The Animals, que imortalizou a canção. E tem... “Backlash Blues”. Uma de suas canções pelos direitos civis dos negros, com letra do grande poeta (e amigo dela) Langston Hughes.

Tracklist:

1. "Do I Move You"
2. "Day and Night"
3. "In the Dark"
4. "Real Real"
5. "My Man's Gone Now"
6. "Backlash Blues"
7. "I Want a Little Sugar in My Bowl"
8. "Buck"
9. "Since I Fell for You"
10. "The House of the Rising Sun"
11. "Blues for Mama"
Bonus tracks for 2006 reissue
1. "Do I Move You" (2nd version)
2. "Whatever I Am"

Banda:
Nina Simone: vocal, piano
Eric Gale: guitar
Rudy Stevenson: guitar
Ernie Hayes: organ
Bob Bushnell: bass
Bernard Purdie: drums, tympani
Buddy Lucas: harmonica, tenor sax

Faixa 13:
Nina Simone: vocal, piano
Eric Gale: guitar
Everett Barksdale: guitar
Weldon Irvine: organ
Richard Tee: organ
Jerry Jemmott: bass
Bernard Purdie: drums
Gordon Powell: vibes, percussion
Montego Joe: percussion
George Devens: percussion
Joe Shepley, Jimmy Nottingham, Harold Johnson, Wilbur Bascomb: trumpets
Jimmy Cleveland, Richard Harris: trombones
Seldon Powell, George Coleman, Norris Turney, Haywood Henry: saxophones
Ralph H. Fields, Eileen Gilbert, Jerome Graff, Milt Grayson, Hilda Harris, Noah Hopkins, Maeretha Stewart, Barbara Webb: vocals

Arranged and conducted by Weldon Irvine

copie e cole esta melda aí, que não consegui fazer disso um link válido: http://sharebee.com/6d8cc36a

2008-11-25T11:11:00.000-08:00

"Without hesitation, one of the most important, hard and astounding electronic class band is Kluster, made entirely out of an express desire to challenge the art and the movement of its kind (a kind to be discovered, entirely by one's own listening and recommendation). Revealed a lot as magisterial under the progressive electronic school of thoughts, dynamics and experiments (German-style, naturally, despite some influences that seem totally private, and others that numb out no particular music at all), the band's musical concept is yet far from such an easy definition (or even a ragged-drone one), mixing the hysteria or the silent respect of the krautrock/acid movement, deepening the experiment towards intricacy, desperation, no-logic, mechanical motion and abstractionism, or creating noise or independent electronic movements."

Enfim: Conrad Schnitzler, do Tangerine Dream, e os incríveis Moebius e Roedelius juntos formaram a banda Kluster e seu álbum de estréia é este Klopfzeichen, de 1970. A música que dá nome ao disco é dividida em duas partes, uma de vinte e três e a outra de vinte e um minutos. Repleto de ruídos, acordes dissonantes, loops, sons estridentes, graves fortes, etc., este disco é dos mais lindamente experimentais que já ouvi. Eles usaram sintetizadores analógicos na feitura do disco, e alcançaram sonoridades realmente loucas. Nesta edição tem uma terceira música, gravada ao vivo.

Kluster - Klopfzeichen (1970) [1998 CD Reissue]

2008-11-25T10:39:00.000-08:00

Phew é uma cantora japonesa. Antes deste disco, ela cantava na banda punk Aunt Sally. Neste Phew, de 1981, ela conta com Holger Czukay e Jaki Liebezeit, ambos do Can. Gravado na Alemanha, este disco traz canções sombrias como a música "Dream", tanto quanto músicas mais velozes, além de seus flertes com a disco (dissonante, como sempre a disco foi pros da boa e velha no-wave), como na música "Closed". Baixos incríveis, baterias e percussões potentes, sintetizadores perfeitos, um sax louco e volumoso (na música "Mapping"), guitarras dissonantes, timbres esquisitos e vocais claramente inspirados nos vocais da Yoko Ono do meio dos anos 70 e início dos 80. Difícil não prestar atenção a este disco de músicas fortes e loops hipnotizantes, vezes velozes, vezes não - mas sempre fortes. Krautrock, No Wave, Avant-Gard, nem me importo. O que sei é que é tão louco quanto bom.

Phew - Phew (1981) [2001 CD Reissue w/Bonus Tracks]

2008-11-20T18:32:00.000-08:00

Lembro exatamente da expectativa que eu tinha acerca de Brown Bunny (2003), um filme do Vincent Gallo. Porque a trilha era do John Frusciante e porque o filme tinha a Clöe Sevigny como atriz e, claro, porque era um filme do Vincent Gallo. Eu já tinha assistido o anterior, de 1998, Buffalo 66, e sabia que iria adorar o seu predecessor. Um road movie esquisito, como seu criador, cheio de silêncios - ou feito de silêncios? - numa paisagem onde as coisas não parecem caminhar. A trilha sonora, além de contar com o experimentalismo lírico e (mais que nunca) delicado de John Frusciante, também conta com outras canções, sempre emocionantes, como "Come under with me", do maestro e compositor Jeff Alexander (composta para o seriado de tv "The Twilight Zone", em 1964, e cantada lindamente pela atriz Bonnie Beecher), ou a belíssima "Milk & Honey", um folk delicado e elegante do obscuro Jackson C. Frank, música retirada do disco de 1965 ("Jackson C. Frank"), seu primeiro álbum, gravado em Londres em menos de três horas e produzido por Paul Simon.

ost - the brown bunny 2004 sharedmp3.net .rar

2008-07-25T17:25:00.000-07:00

Os primeiros discos da Yoko Ono revelavam algo sobre as conversas que ela deve ter tido com o John Cage, lá em 1960, quando os dois moraram juntos. Eram musicalmente muito radicais. Aquela mistura de canto japonês com ruídos e guitarras distorcidas era demais para o mundo e, claro, aquela “japonesa feia” que tinha conseguido agarrar um ex-beatle-galã tinha de ser odiada - e muita gente odiou e odeia até hoje. Em 1971 (com o disco duplo "Fly", que servia de trilha sonora para sua exposição "Grappefruit"), ela começou a ficar mais tradicional na música. No entanto, suas letras ficaram cada vez mais radicais. Em 1972 ela lançou o fantástico (e também duplo) “Approximately Infinity Universe” e em 1973, ela lançou o seu disco mais feminista, que é este Feelling The Space. Penso que não é à toa que seu disco mais diretamente feminista seja também um disco de black music, afinal “woman is the nigger of the world” é uma frase sua. As letras são irônicas, incrivelmente bem escritas, e ainda conta com a participação do marido John dando a última palavra: “Sim, querida”. Tem jazz, baladinhas sacanas, funks escrotos, musiquinhas de cabaret. Tudo bem tradicional, não fossem as letras muitas vezes petrificantes: “Sou um navio de batalha/congelado pelo ódio de minha mãe/Ancorado no mar do pólo norte” ou “Metade do mundo está morto, a outra metade dormindo/Então ela prefere manter-se dirigindo o seu carro funerário”, e por aí vai. Uma banda fantástica, um coro de mulheres e Yoko Ono exasperando o mundo, falando o que pensa com tanta coragem e nobreza, além de sempre trazer (seja no rock ou na black music ou onde quer que seja), uma marca tão particular. Pra você, Flávia. ;)

http://sharebee.com/9aaaa241

2008-05-18T22:16:00.001-07:00

No final dos anos sessenta, contrária à cultura hippie, a cultura punk começava a existir e do punk (ou no punk?) e já nos anos setenta, surge a No Wave, um estilo que durou por muito pouco tempo, mas que permaneceu existindo como influência até meado dos anos 90. A idéia era fazer arte se utilizando da estética punk - e o nome do estilo é uma sátira ao então popular e emergente new wave, que vinha tomando força no mainstream. Entre vários artistas, tinha um compositor chamado Glenn Branca que, depois de atuar em várias bandas, decidiu criar suas sinfonias para guitarra, chegando a usar cem guitarras elétricas num concerto. Lee Ranaldo e Thurston Moore tocaram com ele por muita vezes (nesta sinfonia, inclusive). Aqui temos a primeira sinfonia composta por Glenn Branca, Symphony Nº 1 (Tonal Plexus). A sinfonia é de 1980, mas o disco é de 1981, e foi gravado ao vivo. Sax, trumpete, teclado, percussão, bateria, harpa e muita guitarra. É um disco realmente fantástico de um artista realmente genial.

Baixe aqui: http://www.sendspace.com/file/arzfrb .
(Na parte inferior da página terá o link para download).

2008-05-18T09:23:00.000-07:00

Pier Paolo Pasolini foi um ícone transgressor da itália - e da europa, por consequência. Diretor de cinema renomado, também foi ator, escritor, teatrólogo, linguista, poeta e filósofo, e acabou (não sem querer) por ser uma figura de extrema importância para, como ele gostava de pensar, "a modernização da cultura italiana". Uma pessoa atenta ao mundo, pensando sobre quais modificações poderiam existir e qual rumo seria o melhor de tomar para que existisse uma saída aos fascismos todos. No plural porque são várias as formas de tolimento da individualidade, e não obstante são sempre cruéis essas formas, criadas para "manter a ordem", seja lá o que isso signifique. Steffano Battaglia é um pianista de formação clássica, mas também dedicado ao jazz. Neste disco duplo Re: Pasolini (2007), ele busca encontrar o Pier Paolo Pasolini em todas as suas características, não só como diretor de cinema (como ele é mais comumente conhecido), mas como indivíduo no mundo. O primeiro disco olha para o trabalho e o segundo para a vida pessoal do artista italiano. Decerto o disco mais suave deste blog, e também um dos mais tristes. É muito interessante como este pianista talentoso e experiente (com mais de sessenta discos lançados) vai pensar e tentar traduzir vida-e-obra de Pier Paolo Pasolini. É um disco bonito, cheio de suaves dissonâncias e silêncios. Mesmo quando há um tempo meio torto, meio quebrado, ainda assim soa delicado, e é interessante essa escolha pela delicadeza para falar de Pasolini. Michael Gassmann (trumpete), Mirco Mariottini (clarinete),Dominique Pifarely (violino), Vincent Courtois (cello), Aya Shimura (cello), Salvatore Maiore ("double-bass"), Bruno Chevillon ("double-bass"),Roberto Dani (bateria), Michele Rabbia (percussão) e Stefano Battaglia (piano e piano preparado) são os músicos presentes aqui, neste disco nubladiço e delicioso.

Baixe aqui: STEFANO BATTAGLIA - RE: PASOLINI

2008-05-16T13:37:00.001-07:00

Sonic Youth - e eu não precisaria dizer mais nada. Lee Ranaldo (vocais e guitarra), Kim Gordon (baixo, guitarra e vocais), Thurston Moore (vocais e guitarra), Steve Shelley (bateria) e Mark Ibold (baixo) são mestres em misturar ruído e elegância. Stockhausen, John Cale e o Velvet Underground, os minimalistas, John Cage, Glen Branca, Andy Warhol, a literatura beat, Lou Reed, a blank generation, os movimentos de arte de vanguarda do século xx, as ruas de Nova Iorque - por consequência, o rap e o grafite ("Jean-Michael... What was it, anyway?"), tudo isso posto com elegância agressiva e intelêngia dentro do terreno da cultura pop desde 1981. The Destroyed Room (2006) é uma coletânea de b-sides e raridades. Toda a dissonância, toda a loucura, toda a elegância, toda a sentimentalidade e todo o carisma inteligente que caracterizam a banda e sua trajetória condesados aqui dentro, neste quarto destruído. Não quero falar mais nada, não há mais o que ser dito. Baixem este pequeno deleite e brinquem com ele colado aos ouvidos.

download

PS: Cuidado para não se afogarem na beleza desta versão de "Diamond Sea"... O mar é enorme...

2008-05-15T17:29:00.000-07:00

O escritor norte-americano William S. Burroughs (pra mim, um dos mais interessantes da beat generation) entrou em estúdio no dia 25 de Setembro de 1992 para gravar um conto, The "Priest" They Called Him. Nalgum dia de Novembro, no mesmo ano, Kurt Cobain entrou em estúdio para gravar a guitarra que acompanharia o escritor na leitura de seu texto. O conto é um conto natalino, e Kurt Cobain começa tocando Noite Feliz (à la Cobain, claro). Na história, um viciado em heroína busca a redenção na solitária noite de natal. O tema da droga é recorrente na obra do escritor - embora a paisagem seja um tanto quanto inusitada. Também ele já havia gravado discos de poemas e prosas antes (inclusive o ótimo Dead City Radio, lançado em 1990, onde é acompanhado por muitos artistas mais jovens, que se sentiam de algum modo filhotes daquele senhor). Mas este disco aqui, com os dois juntos, ai, ai... A leitura de W.S. Burroughs é conhecida por ser forte, tal qual seus textos. A guitarra de Kurt Cobain é conhecida por ser suja e inventiva - mesmo que não "rebuscada". Bom. William S. Burroughs lê o seu conto, Kurt Cobain toca sua guitarra, Krist Novoselic posa pra capa, e na contra-capa tem-se uma foto de Burroughs por Gus Van Sant, e do Kurt Cobain por Mark Trunz. Este disco tem uma faixa e cerca de dez minutos. Saiu junto de uma revista ou algo assim, já não me lembro. Mas lembro de te-lo procurado por muitos e muitos anos. E fico feliz por compartilha-lo. Divirtam-se.

Baixe aqui:
The "Priest" They Called Him.

PS: Quem quiser ler a letra, pode procurar na net, que tem, rsssss. Eu não coloquei um link aqui porque não consegui.

2008-05-14T17:28:00.000-07:00

Steindór Andersen é um tipo interessantíssimo. Pescador e poeta da Islândia, decidiu recriar um estilo surgido no país no século xiv, quando da chegada dos colonizadores vickins na ilha. Esse estilo é o rímur - um estilo de canto poético, com os tradicionais (por lá) poemas épicos. Uma música cantada pelos pescadores, uma música vocal na sua origem, sem instrumentação. Por sete séculos o rímur (apresentado nas noites de verão) foi a grande forma de divertimendo e sociabilidade naquela ilha de gelo e vulcões. Claro que o tempo há muito vinha engolindo e dissolvendo este tão velho estilo, fazendo-o quase desaparecer, até que em 2001 o poeta-pescador decidiu gravar um disco chamado Rímur e, inovando a tradição, contou com uma banda de apoio. A banda Sigur Rós (seus amigos há muito) é a banda em questão e o disco em questão é de uma beleza rara, singular. Um disco suave e curto. Mas repleto de ondas geladas, de montanhas brancas e vento. E também baleias e fantasmas. Um disco repleto de magia e de passado. A poesia atravessando as notas musicais, a história como deleite, a melodia como esplendor suave. Um disco meritório de ser baixado e ouvido. Um disco meritório de se ter por perto, fazendo parte da vida. Senhoras e senhores: Steindór Andersen e Sigur Rós!

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2008-05-14T06:28:00.000-07:00

Gastr del Sol começou em Chicago como um trio, em 1991, composto por David Grubb, Bundy K. Brown e John McEntire. Quando Brown e McEntire decidiram sair para montar o Tortoise em 1994, Jim O´Rourke entrou na jogada e o trio virou um duo que passou a contar com colaborações diversas - o próprio John McEntire contribuiu em vários discos da banda após ter saído dela. Em suas composições havia aquilo que chamam de post-rock aliado aos conceitos da música concreta e o flerte com o surrealismo nas letras. O disco Camoufleur (1998) é o disco mais pop da banda, e também seu último. Pop porque tem as melodias acessíveis (e incrivelmente belas), e acessível porque Markus Popp criou elementos de percussão eletrônica que passaram a ser usados a torto e direito por outros artistas. Mas ainda assim é um disco de experimentalismo que, certo, olha pro pop e o alcança. O que pra mim não é e nem seria um problema. Divirtam-se.

GASTR DEL SOL - CAMOFLEUR

2008-05-13T03:23:00.000-07:00

"The Text of Light" é um filme de Stan Brakhage (nascido Robert Sanders), cineasta americano de filmes não-narrativos. Considerado um dos mais importantes do século xx no cinema experimental, ele optou pelo silêncio para fazer seus filmes - e alcançar o que pra ele era o "cinema puro". Text of Light é uma banda formada por Lee Ranaldo, do Sonic Youth em 1999 para, estranhamente, tocar suas músicas tendo ao mesmo tempo filmes do Brakhage projetados. Isso, claro, é mais uma homenagem que uma ironia, e o próprio Lee Ranaldo disse que não era a intenção criar uma trilha sonora para os filmes apresentados, mas sim um diálogo com eles. O resultado é algo lindo. Me impressiono com essa banda. Aqui nesta caixa com três cds chamada Metal Box (2006) tem uma leitura absurda de um trecho de um poema de Joyce intitulado Chamber Music, de 1907 ("Believe me rather that am wise In disregard of the divine, /A glory kindles in those eyes /Trembles to starlight. Mine, O Mine! No more be tears in moon or mist /For thee, sweet sentimentalist."). A banda é composta por Alan Licht (guitarra), Lee Ranaldo (guitarra, "small devices"), Ulrich Krieger (sax tenor e "sax-tronics"), Christian Marclay (turntables), William Hooker (bateria), DJ Olive (turntables) e Tim Barnes (bateria, "gong", percussão e eletrônicos). Se quer saber mais detalhes sobre este disco, clique em info.

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2008-05-12T08:21:00.001-07:00

John Frusciante é o brilhante guitarrista do Red Hot Chili Peppers. John Frusciante tem um clipe lindo dirigido por Vincent Gallo, que até hoje passa na televisão. John Frusciante é lindo. John Frusciante compõe muito bem. John Frusciante lançou cerca de cinco discos (bons!) em 2004. John Frusciante lida com o eletrônico e com a guitarra de um jeito esperto demais. John Frusciante dá gritos que partem qualquer coração pedregoso neste seu Niandra Lades & Usually Just a T-Shirt (1994). Niandra Lades e Usually Just a T-Shirt eram dois discos, que viraram um só. Em 1992, depois do sucesso estrondoso do BloodSugarSexMagic, John Frusciante abandonou os Chili Peppers e decidiu se dedicar ao intenso consumo de crack e heroína, enquanto gravava esse material. Muita fúria e dor e beleza sua vida emprestou a esse trabalho. Todos os instrumentos (guitarras, baixos, baterias, manipulação de pedais de efeito, mellowtrons e alguns outros que ele próprio não consegue identificar - nem se lembra) foram tocados por ele. Um período auto-destrutivo e de solidão extremada, mas que gerou bons frutos - tristes e demenciais, é certo, mas de beleza e profundidade. A beleza se mantém inclusive porque ele sobreviveu a tudo o que passou. E continua foda e lindo e Frusciante. E que deus o conserve...

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2008-05-12T07:46:00.000-07:00

Aqui, um disco só de guitarras, com alguns dos melhores da cena rock dos usa do final dos 80 e início dos 90. Lee Ranaldo, Steve Albini, J Mascis, Dean Wareham, Don Fleming, Wayne Coyne e Thurston Moore são uns dos nomes que figuram em Guitarrorists, um disco de 1991. O resultado é um mar com ondas de cores muito variadas, estilos bem diferentes, mas sempre bom de ouvir. Guitarras elétricas sobrepostas a violões, muitos efeitos e muitos estilos. A experimentação reina nesta paisagem. Sempre criativo e bonito, este disco. É só baixar e se divertir.

1. Sonic Boom - Overture [Spaceman] (1:54)
2. Kurt Ralske - Tar, Iodine, Blood + Rust [Ultra Vivid Scene] (2:40)
3. Kathy Korniloff - I Really Can't Say [Two Nice Girls] (2:59)
4. Jeffrey Evans - Longwood Mansion [Gibson Brothers] (1:46)
5. Wayne Coyne - I Want to Kill My Brother: The Cymbal Head [Flaming Lips] (3:36)
6. J Mascis - A Little Ethnic Song [Dinosaur Jr.] (2:58)
7. Dean Wareham - West Broadway [Galaxie 500] (2:38)
8. Mark E. Robinson - Guitarrorists Theme [Unrest] (1:44)
9. Marc Gentry - Mariposa [Rein Sanction] (2:43)
10. Dave Rick - Where's Gitchi Oombigat At? [King Missle] (4:01)
11. Kat Bjellend - Bruise Violet [Babes in Toyland] (3:12)
12. Thurston Moore - Blues for Spacegirl [Sonic Youth] (4:51)
13. Helios Creed - Green Volcano [Chrome] (1:37)
14. Tom Hazelmeyer - Guitar Wank-Off #13 [Halo of Flies] (3:16)
15. Paul Leary - Fillipé Mepelpeepe [Butthole Surfers] (3:19)
16. Nick Salomon - Dark Field [Bevis Frond] (3:00)
17. Don Fleming - Sound as Steel [Gumball] (1:08)
18. Kim Gordon - Kitten [Sonic Youth] (1:43)
19. Nikki Sudden - Cats Cradle (3:26)
20. Kramer - Ovulation Always Brings Me Down [Bongwater] (2:23)
21. Neil Haggerty - Fallen off the Rocks [Royal Trux] (4:03)
22. Wayne Rogers - Hoichi the Earless [Crystalized Movements] (3:28)
23. Rick McCollum - Spider Plum [Afgan Whigs] (4:18)
24. Marcy Mays - Always Late [Scrawl] (1:06)
25. Lee Renaldo - Here [Sonic Youth] (5:27)
26. Steve Albini - Nutty About Lemurs [Big Black] (1:43)

Baixe aqui: GUITARRORIST

2008-05-12T05:10:00.000-07:00

Bohack. Entre 1981 e 1982 esta banda existiu e entrou no estúdio American Indian, em Nova Iorque, para gravar um disco de experimentações com percussão, guitarra, baixo, bateria, violão, intitulado It Took Several Wives. A banda era composta por três membros: Vincent Gallo, Claudia Porcelli e Wayne Richard Clifford. Considerado um disco de art rock por muitos e vendido a 500 dólares por Vincent Gallo (esse disco está fora de catálogo e você pode comprá-lo do próprio Vincent no endereço www.vgmerchandise.com), It Took A Several Wives é considerado uma piada por Wayne Richard Clifford (que era dono do estúdio American Indian - era seu apartamento - e foi também quem deu nome à banda, além de escolher a ilustração da capa, que é do Francesco Clemente). "Éramos como crianças brincando na areia. Um verdadeiro bocado de lixo artístico", diz ele sobre o disco. Não sei se concordo - e decerto não concordo, mas conheço muitos que concordarão. Enfim. O disco é mesmo um bocado difícil, barulhento e esquisito. Dedicado à memória de Pier Paolo Passolini e Charles Mingus, esse "lixo" vale à pena não apenas por sua esquisitice, mas também por sua rareza. Divirtam-se.

Sim!!!: O disco vem como LADO A / LADO B (ou seja, são duas faixas somente), e o mp3 que vc vai baixar é diretamente extraído do vinil. Abaixo então tem a lista com o nome das músicas. ;)

LADO A:
1. The Rock of Joe the Dog Crowd Noticed
2. Slow Clock
3. A Waiter Dies a Large Family for a Tip Leaves
4. Shot Himself after Falling 3 Days
5. Fat Jaw
6. If You Feel Frogie Jump
7. Jesus in Mono
8. Old Hog Pissing in Sepia
9. Jerky in Color
10. To Save a Safe Artist's Ass

LADO B:
1. Good Brown
2. It Took Several Wives
3. The Man with the Flower in his Mouth
4. They Came as One Person
5. The White Hand Burned While the Red Hand Held On
6. Potatoe Skin Hair
7. 50 Perfumes (part 1)
8. 50 Perfumes (part 2)

http://www.mediafire.com/?5f9v1z2yxjv

2008-05-09T22:33:00.000-07:00

Baixo - Blaine L. Reininger , Peter Principle
Baterias eletrônicas - Blaine L. Reininger , Peter Principle , Steven Brown
Guitarras - Blaine L. Reininger , Peter Principle
Teclados - Blaine L. Reininger , Steven Brown
Saxofone - Steven Brown
Syntetizadores - Blaine L. Reininger , Peter Principle , Steven Brown
Violino - Blaine L. Reininger
Vocais - Blaine L. Reininger , Steven Brown

Composto, arranjado e gravado por - Tuxedomoon

O ano é 1980, e a banda é Tuxedomoon. O disco, "Half Mute/ Scream with a View", primeiro disco dos caras, ainda soa novo e fresco e bom. Muito bom. Tuxedomoon é uma banda que surge dentro da cena New Wave e, também, No Wave. As músicas são sempre meio loucas, com arranjos flutuantes, que misturam eletrônica com guitarras, sax e violinos. "In a manner of speaking", de 1985, virou um clássico recente na voz da banda Nouvelle Vague e "Desire", de 1981 (que foi trilha sonora do "Downtown ´81"), também é conhecida. Penso que essas sejam exatamente as músicas mais conhecidas da banda. Neste disco não há um clássico, mas todo ele é mesmo muito bom. Vou colocar aos poucos os discos que tenho da banda. Aguardem. E divirtam-se com este aí. Abraço em todos.

http://sharebee.com/a014ae96

2008-05-01T13:00:00.000-07:00

Vincent Gallo nasceu em Buffalo, Nova Iorque. Ator, diretor, produtor, roteirista, modelo e músico. Expulso de casa aos 16, foi viver pelas ruas da nova iorque do final dos anos 70, onde passou a conviver com outros artistas, como Jean-Michael Basquiat - com quem tocou junto (Vincent era um membro esporádico) na banda Gray, uma precussora do hip hop de Nova Iorque. Dirigiu o lindo Buffalo 66 e o polêmico e não menos lindo The Brown Bunny. Entre o primeiro filme e o segundo, ele lançou esse "When" de 2001. Um disco delicado, melancólico e tão expressivo. Espero que gostem. As I do.

Querendo saber mais sobre o cara e seu trabalho: www.vincentgallo.com .

The JunkieBox

NINA SIMONE SINGS THE BLUES

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Composto, arranjado e gravado por - Tuxedomoon

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